RECENSIONI D'ARTE - ARITICOLI CRITICI

Data Inserimento: Sun, Nov 22, 2009 - 19:13:38

Evento N°: 11

Paesaggi bucolici, spazi sereni, silenti, ma ridenti, dalle mille sfumature di colore che rapiscono entrando in empatia con l’animo di chi osserva e si lascia trasportare dall’entusiasmo per la vita che traspare dalla pittura dell’artista uruguaiano Edison Vieytes. La cura del dettaglio e la ricerca del colore caratterizzano i dipinti i cui soggetti sono lo specchio della realtà vista attraverso la lente dell’artista.
Ogni soggetto è permeato da una spiritualità ed espressività che sprigionano positività e gioia di vivere: i girasoli sbocciano sorridendo alla vita, il mare burrascoso emana la sua potenza, il tramonto spegne le fatiche del giorno preannunciando la dolce atmosfera della sera.
Il panteismo della pittura di Edison Vieytes non emerge solo nei suoi paesaggi, ma lo si ritrova anche nel ritratto dei cavalli i cui volti presentano una espressività inusuale, quasi umana anche nei lavori a carboncino in cui la tecnica del chiaro scuro conferisce loro una particolare eloquenza. Allora il cavallo, da simbolo di forza e libertà, acquista una nuova comunicatività diventando espressione di comprensione, dolcezza, serenità.
Così come traspare quella dedizione al lavoro dei fattori che si scorgono in lontananza nelle immense praterie, lontano ricordo degli scorci paesaggistici della terra natia dell’artista, le cui molteplici sfumature di verde conferiscono al dipinto movimento come se fosse accarezzato da una leggera brezza di vento.
La ricerca sul colore nelle sue infinite sfumature è la caratteristica principale del mondo di Edison Vieytes che ritrae i soggetti appartenenti alla sua realtà odierna e del passato conferendovi una espressività propria personale attraverso linee morbide, chiaramente visibili ed illuminate da un cromatismo sempre limpido ed estremamente raffinato nei suoi dettagli.
Giusy Caruso

Edison Vieytes ha un temperamento sanguigno perché è spontaneo, entusiasta, curioso, appassionato e sincero di cuore. Tutte queste qualità le applica nella sua arte. Dipinge con entusiasmo, devo dire che è un artista che adopera sia il carboncino che l’acrilico in modo sorprendente.
E’ curioso ed è sempre pronto a imparare e a migliorare la sua arte.
Ha un modo tutto suo: impetuoso e passionale di raccontare la propria terra ed è per questo motivo che spesso adopera il colore sanguigno perché Edison predilige i colori caldi, luminosi, forti ma allo stesso tempo delicati per dipingere il suo universo travagliato ed intrigante diviso tra due mondi così lontani ma nello stesso tempo così vicini, due mondi a lui cari.
Attraverso i suoi quadri ci racconta il legame con le sue radici.
Nell’ultimo periodo si è dedicato a dipingere con il colore sanguigno creando una serie di quadri che raccontano la sua terra vista con gli occhi della nostalgia e si osservi con attenzione i suoi dipinti ti puoi immaginare in mezzo alla campagna uruguaiana, a girare per le strade di Montevideo, a visitare le chiese, a vedere il carnevale e quasi quasi vorresti immergerti in quella natura di una bellezza pura, così silenziosa, così accogliente e quasi quasi vorresti restare ...
Teresa Scotti

Data Inserimento: Sun, Nov 22, 2009 - 19:09:07

Evento N°: 10

Quando il fruitore si sofferma dinnanzi alle opere del maestro Edison Vieytes, non può non avvertire nell’immediatezza, il legame recondito e profondo di questo artista con l’ambiente naturale. Natura, questa, espressa in un molteplicità legata, non puramente ad un concetto estetico – paesaggistico, ma ad un’ empatia totale, ad un’ immersione incondizionata, piena, viva che lo riporta a Madre Natura. Questo stretto legame tra artista e mondo naturale evidenzia i luoghi del cuore del maestro Vieytes, che riportano, chi osserva le sue opere, alle sconfinate distese erbose dei suoi ricordi d’infanzia vissuti in Uruguay, suo paese natale. Soggetti caratterizzanti sono la figura del Gaucho, ricorrente e preminente nella sua pittura, la presenza della cavallo, animale legato alla quotidianità e alla tradizione uruguaiana dei tempi passati e spesso interprete diretto degli stati d’animo dell’artista. I tramonti scarlatti della terra natia, la natura stessa in un’esplosione di colore vibrante e di luce intensa e dominante nei verdi brillanti, nei rossi purpurei, nei gialli vitali ed energetici, negli azzurri limpidi. Ed ancora, il suggestivo irrompere delle onde marine attraversate dell’ultima luce del sole prima del tramonto, che regala, generoso, uno spettacolo naturale, unico, che offre sensazioni d’infinita libertà a contatto col mondo naturale, conducendo l’artista ad esprimere la sua storia interiore, il suo sentire profondo e autentico. Il fruitore ha la possibilità di immergersi totalmente in un ambiente tanto vero quanto incantevole, di ripercorrere con la mente e con il cuore quelle corse dei cavalli nelle immense distese uruguaiane e di avvertire profumi e odori di quei luoghi apparentemente lontani, ma che l’artista propone in maniera tale da renderli familiari, da farli vivere a chiunque si accosti alla sua arte. I ricordi degli anni della fanciullezza, di quegli anni sud-americani, di quelle tradizioni meravigliose, di quelle atmosfere della quotidianità, si mescolano armonicamente con l’amore per il paesaggio calabrese, anch’esso reso proprio dall’artista. Il maestro Vieytes ne coglie gli scorci più significativi, la tradizione, la storia, i personaggi, l’identità culturale, e li riporta sulla tela, e non solo, rendendoli propri e proponendoli come solo lui sa fare, con forza e delicatezza assieme, con la vitalità del colore, con la suggestione delle luci e delle ombre che lo stesso ha appreso dal grande acquarellista uruguaiano Guarino. E come egli stesso si stupisce e si emoziona dinnanzi al mondo, fa scaturire emozioni in chi si approccia alle sue opere, ogni volta con la stessa intensità e lo stesso sentimento. Il sapiente uso del colore fornisce note di grande vitalità, ma anche di riflessione, di armonia, di ricordi lontani, dei luoghi del cuore passati e presenti, di introspettività. Le opere di Edison Vieytes, sono specchio dello stesso; infatti, in essi egli si riflette, vivendo di luce propria, una luce particolare, quella della sua profonda umanità e sensibilità verso le meraviglie del cosmo. Negli alberi, nel mare, nelle rocce, nei fiori, nelle foglie, nei cieli tersi, ora di colore deciso, ora sfumati, negli animali si palesano i sentimenti dell’artista e si rendono manifesti i moti del suo animo nella loro espressione. Le sue opere, si muovono in una totale armonia di forme e rappresentazione intrisa di grande pathos ed espressi con differenti tecniche pittoriche e dei materiali: dai colori ad olio ai pastelli, al carboncino, ai colori acrilici, su tela, legno, ceramica. Le immagini dipinte dal maestro Edison Vieytes non appaiono statiche, ma emanano un dinamicità, un movimento che gli conferisce una vita propria, tanto da poter vedere cadere foglie, avvertire il soffio del vento attraverso le fronde degli alberi, il nitrito dei cavalli, l’ infrangersi delle onde spumose sugli scogli austeri. Gli aspetti cromatici, la predominanza dell’effetto coloristico ed un uso costante dei colori primari nella loro pienezza, le motivazioni espressive ed artistiche legate alla soggettività dell’artista ed al suo sentire profondo, lo collocano nel filone impressionistico. Si potrebbe, dunque, definire il maestro Vieytes “artista dei luoghi del cuore e della natura” di un grande sentire che non ci fa dimenticare quel legame imprescindibile con l’origine dell’uomo e con il proprio essere più profondo.
Raffaella Buccieri.

Data Inserimento: Sun, Nov 15, 2009 - 15:22:09

Evento N°: 9

Anyma è i progetto artistico che Adraino Monanc ha realizzato appositamente per il suo debutto ufficiale in Italia.
E' un progetto a cui l'artista ha lavorato per oltre un anno, diviso fra Brasile e Italia, sofferto, fortemente voluto, concepito fin nei particolari per permettere al pubblico, agli spettatori, di conoscere e capire l'interiorità dell'artista, che esprime se stesso, il proprio vissuto, attraverso uno stile personalissimo, frutto della sua grande dedizione allo studio di tutte le tecniche artistiche conosciute, ma la tempo stesso espressione di grande personalità e di un talento naturale, spontaneo, “urgente”, che lo ha portato prestissimo a sperimentare un nuovo linguaggio creativo, nato, come lui stesso definisce <<dalla fusione dell'Arte con i sentimenti di tutte le creature, esistenti e inesistenti, reali o frutto della mia fantasia>>: l'arte “monanc”, parola della lingua india Tupì - Guaranì che significa “mescolare”, che Adriano ha deciso di prendere come nome d'arte, viene concepita e sperimentata in “atelier provvisori” sul mare, in mezzo alla foresta, nelle baraccopoli delle favelas, in mezzo ai bambini, dai quali apprende la spontaneità e l'autenticità dei sentimenti, con l'aiuto dei quali riesce a ritrovare la strada per procedere a ritroso negli anni, in una sorta di “regressione” nel tempo che gli permette di ritrovare psicologicamente ed attingere alla sua anima di bambino.
L’universo creativo in cui ci introduce, ci spiazza ed immediatamente ci riporta, in una sorta di flash back, al periodo della nostra infanzia, della spensieratezza, della spontaneità, ma anche dell'autenticità dei sentimenti, delle speranze di vita, una vita che si spalanca ai nostri occhi di bambini, colorata, popolata di creature immaginarie, che raccontano di speranze concrete, semplici eppure così essenziali per ciascun individuo.
I bambini che popolano le opere di Monanc sono i nostri sogni, le nostre speranze, il nostro profondo bisogno di amore che molto spesso la vita ci porta a soffocare, a mantenere nascosto e che invece dovremmo imparare a manifestare.
Con il dipanarsi delle opere del progetto, rigorosamente concepite in sequenza, come il succedersi delle immagini di un racconto per fotogrammi, Adriano apre le porte del suo universo creativo, ce lo racconta, ce lo rende visibile, tangibile... un racconto che ci rapisce, che alterna momenti di colore accecante, materia debordante, a momenti più cupi, monocordi, altri ancora con colori e contrasti che emergono quasi in totale tridimensionalità dai supporti scuri, di getto, quasi quelle creature immaginarie volessero uscire dalla loro realtà, dai loro confini e ci volessero prendere per mano, in una sorta di invito alla identificazione con essi, per meglio avvicinarsi a quelle realtà di sogno, che tanto concretamente prendono vita dalle esperienze felici e drammatiche, che raccontano dell'Amore e del Dolore nel loro alternarsi nella vita “complicata” dell'artista come dell’umanità intera.
Questo lavoro è una sorta di autoanalisi profonda, sofferta dell'uomo Monanc, in cui espone direttamente sé stesso, la sua ANYMA, attraverso storie di fantasia, popolate da personaggi surreali e al tempo stesso fortemente reali, a volte carnali, quasi a significare lo stretto contatto fra fantasia, desiderio, speranza, mondo fatato di bambino, a contrasto stridente con situazioni di disagio, abbandono, emarginazione e con la crudezza della vita per tutta una fascia di popolazione ai margini della società.
Esseri umani fantastici, elementi della natura, simboli di libertà e di sogno come farfalle e cuori simboli di Amore e Libertà, sono elementi costanti della sua poetica, che associa, alterna e mescola a pigmenti, resine, materiali nobili, fibre naturali ed oggetti di recupero senza nessun timore reverenziale ed una maestria nell'esecuzione in tutte le sue complesse composizioni; in lui vi è una “urgenza di comunicare”, ma soprattutto una debordante ispirazione artistica, sperimentata in ogni campo, dalla pittura alla scenografia, dalla fotografia alla videoarte, che ha assoluta necessità di manifestarsi concretamente in realizzazioni che ci rendano visibile il suo universo creativo, la sua poliedricità ed il concepire naturalmente e spontaneamente l’Arte come unico mezzo per comunicare col mondo.
Questa concezione dell’Arte come unico linguaggio possibile, unico in quanto universale e capace di rivolgersi a tutti in maniera trasversale, implica un costante atteggiamento di ricerca e sperimentazione.
Così come gli artisti del passato perfezionavano i loro capolavori con lumeggiature a secco, Monanc utilizza per “dipingere” le sue opere tutti gli elementi naturali, acqua, aria, terra, fibre vegetali, ma è soprattutto col fuoco che imprime il vero significato all'opera nel suo complesso, elemento che padroneggia sapientemente per completare tutto il suo lavoro: Fuoco, che nel suo immaginario artistico, rappresenta il Dolore, esperienza di vita indelebile attraverso cui l'uomo diventa UOMO e si evolve spiritualmente. Il Fuoco/Dolore per Monanc è un elemento strumentale per l'esistenza di ogni essere umano, attraverso cui si assimila il senso della vita e leggi essenziali per la nostra evoluzione spirituale.
Sono opere che vanno viste dal vivo, complesso spiegarne la tecnica se non come cocktail intricato di tanti elementi, che s'incontrano, si scambiano, danno vita ad armonie e contrasti, in una ricchezza di colori, forme, oggetti, elementi naturali che si intrecciano in una trama inestricabile con materiali di recupero, oggetti abbandonati, buttati, scartati dal nostro mondo consumistico, che l'artista sistema e modula con perizia all'interno delle sue creazioni, rendendoli elementi indispensabili, estrapolandoli dal loro contesto originario per il raggiungimento di contenuto ed equilibrio compositivo.
In questo breve intervento non c'è la volontà di dare una interpretazione tecnica al lavoro, bensì semplicemente di rispettare il motivo ispiratore del progetto originario: stimolare l'avvicinamento dell'osservatore al lavoro ed al tempo stesso all'interiorità dell'artista, porsi nei confronti di essi con mente libera da substrati culturali tipicamente europei e pregiudizi di sorta, cercando dentro di noi un canale di comunicazione, una possibile empatia fra mondo interiore dell'artista ed il nostro, attingendo ai sentimenti che la visione di tali immagini possono far scaturire nella nostra interiorità.
I temi sono universali, elementi “primordiali” che possiedono una creatività ed una vita pulsante, quasi a sé stante, utilizzati, sperimentati, “mescolati” sapientemente dall'artista con un tocco di automatismo surrealista.
Come descrive Adriano stesso, in Anyma <<le fotografie parlano della forza della favela brasiliana, i disegni rappresentano sogni che non possiamo vedere con i nostri occhi, le pennellate tracciano il desiderio di tanti bambini, i colori danno vita e corpo alla purezza dell’anima di tante persone che ancora non abbiamo incontrato, il fuoco riscalderà sentimenti ormai dimenticati e l’acqua sarà un refrigerio al dolore>>.
Adriano, innamorato della vita, ci trascina come per magia all'interno del suo universo fantastico, suscitando nell'osservatore l'inspiegabile desiderio d'immedesimarsi in quell' universo popolato da strane creature, ma al tempo stesso così familiare e vicino ad ogni anima che vuol vedere dentro sé stessa.

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